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怎么样是摄影艺术语言的显现本事,现场的技能

文章作者:舞蹈 上传时间:2019-09-02

问题:西画中的倒影与音乐倒影和弦、现代舞倒影概念的理论是否一致?各有什么艺术特点?

问题:什么是油画艺术语言的表现技巧?

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回答:

回答:

  沈伟

三者的区别甚大但是所表达的想通。

她的眼睛会说话!欣赏达芬奇的蒙娜丽莎的微笑的时候,许多人都会有这样的感觉。可是,无论我们怎么聆听,却总也听不见蒙娜丽莎的片言只语!其实,这就是油画艺术的语言,其它艺术也一样有,太棒了!还是俗话说得好,眼睛是心灵的窗户。除了眼睛之外,还有身体语音,比如莫迪利安尼画的侧卧的裸女,她的卧姿,脸上的红晕,都在说她很性福,太传神了!结果被人花了十点八亿元买下了!当然了,我们常说手足传情,特别是舞者,说明肢体语言也很流行。总之,油画艺术语言的表现技巧很多,眼睛,身体,四肢等,都是会说话的宝贝!

2008年北京奥运会上的《画卷》是舞蹈家沈伟用身体作画的成名之作,而今年,沈伟以画家身份参加了上海国际艺术节。

西话中的倒影,一是绘画中(如油画、水彩、水粉等)为了表现出,光感,通透感等氛围,在水面玻璃等一系列反光的物体和载体上所作的绘画技巧,其中最经典的是艺术家awtar virdi,所做的立体绘画,运用哈哈镜原理让倾斜的线条,使得观者可以看到一副清晰立体的画,另一则是一位英国艺术家大卫霍克尼所代表的作品,摊用光学仪器创作了许多透视、但却有立体感的绘画。

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  因为自觉绘画语言尚未成熟,舞蹈家沈伟以前很少对外展示画家的一面。

在音乐中的倒影和弦,是作为,旋律线条的一种变化发展手法,它的本质是一个线性的关系,是对旋律的反向表现,这种技法在复调音乐中得到了充分运用。例如巴赫的《赋格的艺术》《平均律钢琴曲》,其都是为了旋律更丰富,并且有节奏和韵律,达到艺术的造诣。

除了文学作品是以文字的形式直接表现语言技巧外,任何艺术都有它的语言表达方式,包括音乐,包括舞蹈,包括摄影等等,当然也包括绘画和绘画中的油画。

  自2014年受邀在美国迈阿密达德学院艺术与设计博物馆开“黑白灰”视觉艺术展,沈伟开始以画家的身份频繁亮相,人们也在舞蹈和戏曲之外,多了一个透视沈伟的角度。

而现代舞的倒影技巧,更多的是呈现在其表现力跟手法上,倒影技巧主要是指光与影的结合,达到对舞蹈动作的诠释,同时也是人与人结合达到倒影的艺术手法,本质上是为了更好的表达舞蹈的中心思想和呈现舞蹈现场的张力。

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  作为上海国际艺术节的参展项目,9月25日,沈伟在中国大陆的首次艺术展“沈伟:未知的探索”,在上海当代艺术博物馆开幕。

三者各有异同,相同之处是为了呈现更完美的艺术效果,相异之处是领域范畴中的表现的方法不一样

应该说,油画作为形象视觉艺术的一种表现形式,其语言的表现技巧是相当丰富多彩的。构图、造型、表情、动作、姿势、色彩、背景、光线、线条、笔触、肌肤等的运用处理都可以成为油画语言的表现技巧。

  从1982年的手稿、速写,到2015年的蓝色、黄色系列油画,沈伟创作生涯各个阶段最具代表性的绘画、装置、影像、多媒体装置、设计作品以及理论文献,均在展出之列。这是艺术家创作迄今,对其舞蹈及视觉艺术之间关系最为全面、深刻的一次梳理。

谢谢。

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  在艺术界,绘画和舞蹈几乎是两个绝缘的圈子,沈伟却将它们打通了。

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在我们看到的大量经典油画作品中,有以构图造型突出表现主题的,如米开朗基罗的《创世纪》就是典型一例。通过构图造型塑造出气势磅礴的宏大场面。有通过背景补充画的主体语言的,如乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》。有运用光线表达画面意思的,如伦勃朗的《夜巡》。有通过线条表达画家深刻寓意的,如毕加索的《六个女人》。有通过色彩传达主题思想的,如雷诺阿的《浴女》系列,有通过笔触张扬画家的审美理念的,如梵高的《向日葵》。有通过肌肤描绘来表述意境的,如安格尔的《泉》,画家用缺少光泽的天鹅绒般的笔触描绘出少女青春活力的肌肤。等等。

  他6岁开始修习国画和书法,16岁学习西方油画,出生于湘剧世家的他,还接受过多年系统且专业的戏曲训练。

三种艺术形式对于倒影的表达不一致。

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  19岁,沈伟报考中央美术学院,专业成绩第二,却因英语落榜。他南下加入广东舞蹈学校现代舞实验班,自此将人生路岔向了舞蹈。

绘画倒影:用油画或水彩画表现出物体投射在水面中的影子的线条、光感和通透感。当然,也有一些画家,如印度艺术家Awtar Virdi,采用像毕加索一样夸张、扭曲的倒影元素,自成一派。

油画正是以极为多样化的艺术语言表达技巧为世人呈现出一个异彩纷呈美仑美奂的艺术世界,让人们从中产生心灵的共鸣,人性的张扬,精神的愉悦,智慧的启迪和美的享受。

皇家1号棋牌,  1995年,沈伟获奖学金前往纽约,在1990年代中国现代舞的开拓者中,他是觉悟最早,主动走出国门的人之一。

音乐倒影:通俗地解释是将主句各音作等距离上下翻转的模仿(音程关系要一样)称为倒影。

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  2000年,凭借《天梯》和《声希》,沈伟在美国现代舞界一炮而红。

比如a句是456(fa so la),b句是321(mi re do)

回答:

  2001年,他创立了以自己名字命名的“沈伟舞蹈艺术”,陆续创作舞蹈三十余部,真正走入西方主流艺术视野。他的舞蹈常被形容为“东西方文化的融合”,西方人看了觉得很东方,东方人看了又觉得很西方。

现代舞三种表现手法:具象、抽象、意象。其实无论是现代舞,还是传统舞蹈,绝大部分都不是‘具象’的,而是‘抽象’的,因为舞蹈作为一种艺术,是以动作来做媒介,也就是说,我们欣赏舞蹈,主要是观看舞蹈的动作,而舞蹈的动作很少‘具象’地描写生活,很少直白地说故事,也很少简单地发泄感情。无论什么情绪,在舞蹈中都需要尽可能表现出美感。比如:倒影的表达方式通常采用意象来表达,让观舞者能够领会到舞者在表达“倒影”。语言永远都显贫乏,唯有舞蹈才能最生动形象地表达舞者的思想。

油画作为典型的视觉艺术,在600余年的发展历史中,形成了相当完善的艺术语言和表现技巧,其语言表现技巧包含的要素非常多,主要有造型、色彩、笔触、线条、光影、肌理、质感、空间、构图,等等。

  因为要找到和自己有相同品味、相同创造性的人不容易,除了作曲,每一部舞蹈的编舞、舞美、服装、化装、灯光设计,都由沈伟一手操刀,代表的都是他的审美。

回答:

下面,我一一进行介绍。

  要解读沈伟的舞蹈,离不开他的绘画,同样,要解码他的绘画,离不开他的舞蹈。二者相伴相生,相互影响、滋养、渗透,绘画为他打下了高级的审美,舞蹈又为他的绘画拓宽了创作空间,带来了流动的生命力。

来自于生活,来自于不同的地域,文化差异必然会有,但大同小异,必有相通之处,取长补短,相互学习!!!

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  他甚至把人的身体当画笔,让舞者身沾墨汁或油彩,以“纸上舞蹈”的形式于画布上作画。对他来说,舞蹈就是另一种形式的绘画。

回答:

德拉波《飞鱼》

  你更愿意被人称为会跳舞的画家,还是会画画的舞蹈家?“我就是一个艺术家。”沈伟说,他无所谓别人叫他什么,“人们喜欢把所有东西分门别类,觉得这样好管理。但艺术家就是做艺术的,偏视觉也好,偏音乐也好,不该为了方便管理,而把自己放到筐子里抹杀天性。”

艺术是相通的

造型就是根据画家的想法塑造出来的具体的、理想的审美形象,让观者看之有物,能引发观者的想象。在所有视觉艺术,如绘画、雕塑、戏剧、电影中,造型是最重要的语言技巧。在油画中,造型以精准、符合实际比例结构为原则,也就是说,画什么要像什么,不能把牛画成羊。

  【对话】

回答:

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  为了考中央美院,去参加舞蹈比赛

艺术是一样的

雷诺阿《斜卧的姑娘》

  记者:你是什么时候开始学画的?

色彩就是给审美形象上设置的颜色,原则是要符合物象固有的自然色。如,成熟的苹果是红彤彤的色彩,总不能把熟苹果涂成粉色或橙色,那样就失真了。

  沈伟:我6岁开始学书法、学国画,后来再学线描。1982年左右,我开始对西方绘画产生兴趣,看见达芬奇的速写、素描,特别喜欢,1984年正式学素描。我的重心后来也不是向油画偏移,就是发展出来的。

笔触就是画笔在画布上运行的轨迹,是表现画家情感的重要方式。感情奔放,喜欢表现热烈的、感性的场景,常常使用比较粗犷的笔触。表现理性、冷静的物象,则适合用纤细的笔触,画面看起来光滑润泽,很少看到油彩颗粒。

  记者:你又是怎么喜欢上舞蹈的?

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  沈伟:我天生的协调性比较好,所以跳起来很顺,很好看。我学戏曲的时候,形体非常好,怎么动都好看,别人也觉得我非常会跳。我对舞蹈天生就有一种感受。

鲁本斯《化妆的维纳斯》

  记者:你出身于湘剧世家,早年也打了很好的戏曲基础,后来为什么没有继续学戏曲?

线条是造型的重要辅助手段,是勾勒外形轮廓必不可少的元素。无论是油画还是国画,都要用线条来造型。同样,在用线条造型时,要求线条要平滑流畅,让人看着舒服。

  沈伟:戏曲我做了十年,很多因素导致了现在的状况。

光影是油画特有的元素,是光源照射在物象上时,体现物象上不同部位的明暗关系,从而可以增加立体感效果。光能照射到的地方是明亮的,灿烂的,照不到的地方在出现阴影。

  戏曲当时特别弱,没人看,没演出,很闲,也没创造性,都是演传统戏,我就想做对我的生命更有影响力的事。1980年代末期中国对外开放,我对绘画、舞蹈都有兴趣,选择性越来越多,我可以做一个跟时代更有关系和创造性的艺术,就选了绘画和舞蹈。

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  记者:学画学很多年,后来岔向舞蹈,是因为落榜?

肌理是指物象表面上凹凸不平、纵横交错的纹路,它是物象质感的直接流露。世界上每个物象都有肌理,代表了不同物象的特有特征。比如,人的皮肤上就有细小的纹理,如果在画画中能把这些纹理刻画出来,可以有效增加生动性。石头表面、树皮上都有与众不同的肌理,正是这些肌理,让物象自带有独特的审美趣味。

  沈伟:1986年我去考中央美术学院,专业录取了,全国第二,但文化线没过,英语只考了35分(总分100)。因为我以前学戏曲,根本没学过英文。

空间就是画面中各个物象前后、左右、上下、远近之间的关系,处理好空间关系,能很好地表现出画面的层次关系。

  画画很烧钱,为了去北京考试,我就去参加舞蹈比赛,拿了奖金,但评委说你应该学舞蹈。刚好中央美院文化线没过,评委说你快去学舞蹈吧,于是我就南下广州了。那时候广州很开放嘛,我就去做舞蹈了,很快另外一扇门打开了。

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  记者:落榜的时候会不会很失落?

拉斐尔《圣母子》

  沈伟:当然有。不过我对艺术的追求没有熄灭,我喜欢舞蹈,但到了广州我也还在画,我不是画不好,只是没进美院而已。我没有很心慌、很迷茫的感觉,舞蹈给了我新的生命力。  

构图就是排列画面的章法,在具体实施过程中,完全可以根据个人审美理想来自由取舍,或者增加一些物象,或者减去一些物象都可以。比如,在画一个美女时,可以把鹅蛋脸、杏眼、双眼皮、樱桃小口等美好元素集中到一个人身上,还可以给美女旁边设置一些漂亮背景,来突出画面的意趣。

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所有油画语言的表现技巧是在长期勤学苦练,以及入木三分的观察中得到的,只要在画画中多练习、勤思考、多观察、多学习,掌握这些油画语言表现技巧并不是什么难事。

  早年肖像画

回答:

  舞蹈不可驾驭的空间大,绘画更控制自如

我们印象中的语言通常指“口头语言”和“肢体语言”,最清晰易懂的应该属于“口头语言”了,其次才是“肢体语言”,比如,人的某个动作或眼神都在表现着人物的内心世界,在所有的视觉艺术里,最难琢磨的是绘画艺术的语言,因为绘画艺术“无声、无字”连人物的动作都是静止的,那么什么是油画艺术语言的表现技巧呢?
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  记者:你早年的画风还没有成型,有没有一个借鉴和模仿的阶段?

素描是油画的基础,油画是以“色彩和线条”为载体,“素描、色彩、线条”这三者就是油画艺术完整的语言,可以把“素描”比作人的骨骼、“线条”比作人的血肉、“色彩”比作人的皮肤,健康的骨骼、血肉、皮肤才是一个健康的人,这三者缺一不可,
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  沈伟:都会受到某些画家的影响,就看个人的爱好和性格,你会有一些自己的选择性。

艺术更是如此,没有素描的油画就好比一团“肉泥”,如果线条不流畅、色彩不欢快,那么这一幅画作就没有风格也没有灵魂了,然而在油画作品里,可以很容易看到的就是“色彩”了,给人带来强烈视觉效果的也只是“色彩”,所以说色彩成了油画艺术的语言,在表达种人物的各种情绪,
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  早年学画,我对塞尚的色彩、德加的素描比较有共鸣,还有印象派时期的画家。后来,我比较欣赏卢西安·弗洛伊德、弗朗西斯·培根的画,喜欢培根是因为他的画里有很多舞蹈性、戏剧性,喜欢弗洛伊德是因为他精神层面的东西对我有影响,但同时我又想摆脱这种影响。

现在我们已经知道色彩是油画艺术的语言了,当然了,不同风格的油画作品就有不同的艺术语言,比如,印象派的色彩表现的厚重,让人看起来处处都是笔触的痕迹,寓意很抽象,就好比人情绪反应很大的时候,肌肉就变的紧张了,此时的笔触就是油画艺术语言的表现技巧,
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  我很会自学。我有一个很好的朋友会教我一些基本的东西,不过画画还是靠自己。最开始还是要老师带,带了之后,你要靠悟性。画画很要悟性。

现代的立体派或者“超写实主义”风格的油画,笔触细腻光滑甚至达到“毫无笔触”的效果,艺术的语言就由“光影明暗”来表现了,要知道“光影和色彩”是不在同一层面的概念啊,“光影效果”就好像化了妆的人一样,妆容就是展现给人的状态,总而言之,艺术家对“色彩”的处理就是油画艺术语言的表现技巧。
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  记者:2000年前后,你受比利时超现实主义画家保罗·德尔沃影响很深,舞蹈《天梯》里有他的影子。

回答:

  沈伟:我那个时期的舞蹈都有超现实的感觉,《声希》《天梯》《余音》都是同一个时期的,都有一种梦幻感。保罗的作品也有这种感觉,用它来跟演员沟通很适合,我们在某些方面有共同点,他影响了我当时的创作方向。

谢谢邀请!更多精彩绘画内容,欢迎大家关注绘画爱好者@荣话,和小编一起聊一聊绘画这些事。说起油画,估计大家一点都不陌生了,它的传播度可谓之高,最早只有西方画的最好,现如今,在中国绘画油画的艺人们可不少,而且现在画的好的艺人们也不少,油画也是有很多知识要学的的,想要正真的表达好油画的艺术语言还要下很多很多的功夫。

  记者:《天梯》就像西方雕塑复活,《声希》的背景是八大山人的水墨,舞者的头饰仿佛古代仕女的高髻,又给人中国文人画的感觉。

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  沈伟:对,我当时在同一个创作环境,但表现形式不一样,一个东方元素更多,一个是西方元素更足。

油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素,一幅完美的油画不仅仅体现在画的人是谁,而且油画所表现出来的逼真感、视觉感、丰富感那都是没得说的,这是油画艺术语言最大的表现技巧。所谓艺术来源于生活,这话一点都没有错,我们看到几乎大部分的油画都是从生活种提炼出来的,既表达了艺术家赋予的思想内容,又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期,不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约,呈现出不同的面貌。就拿现在的时代来说,几乎油画都是创新的,有些是结合现实和想象所绘画,而现在最偏向于的莫过于创新的油画理念了,一幅抽象且视觉感强,又特别吸引人眼球的油画不多见,但这些油画又是脱颖而出的,也是一种艺术语言的表现。

  记者:《天梯》和《声希》是你最早的成名作,两部作品比较静态,当时也有评论说它们更像绘画,而不是舞蹈?

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  沈伟:有些人这样认为,但有些也不是,每家媒体的背景和理解不一样。

小编认为,只要是自己的风格和绘画理念所创作出的油画,都可以称之为油画艺术语言的表现之一,没有固定的一个概念。在这里,小编可以给大家推荐一本书,叫做《油画艺术的秘密语言》,这本书还是相当不错的。里面也有更详细的关于艺术语言的解释和案例。

  记者:可以这样理解吗,你当时的舞蹈创作还在摸索时期,可能在潜意识里,你还没有完全将舞蹈和绘画割裂开来?

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  沈伟:也不叫割裂。艺术是相通的,审美意识在一个人的思维里存在,就看你到底是要做单一的舞动动作,还是感觉上的东西,这是艺术家的选择,舞蹈没有说一定要怎么样。

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回答:

画,介于实物与虚构之间的人造事物。

在中国很简单,画是可视的话,话是不可视的画。

因此追求诗情画意达趣。趣在似象非象之间逗人的形式。

欧画用油彩,呈色块涂抹方式,色油斑斑再块块仅模糊不清。

但大师出现后,色油块可展示光强弱,自此光分布画内,使画具立体。

立体性可达观者得抱抚程度,顶峰现,当摄像术出,欧画入死胡同。像突显出来。

像不是画。

油画以风景显示光线美妙,特别航海风暴刚过时,乌云仍重重,海涛仍凶涌,而几束光线由云中透出,照亮航途。希望胜过焦烦及疑迷。光的阴暗与光明就是油画的语事语言。技巧就是油彩调画出光及光影来。

因生现仅两大色块式的画品出来。

赞议一下,悟空问看后咱也在其上留上点啥。

回答:

这个问题太大了,首先油画是从15世纪以前欧州的蛋彩画发展而来的,逐步成为西方绘画的主流方式,从古典油画,近代,现代几个时期。古典油画因当时的历史及各种条件,只是写实,从解剖学,透视学,材料学,明暗分布等形成严谨的造型科学原理,成为经长期制作,高度写实的面貌。到了近代,19世纪,由于对色彩认识的变化而出现变革,如康斯太布尔凭借对自然的观察写生而发现的补色原理,从而使后来的油画增加了色彩的对比,也形成一些具有鲜明特征的流派,如德拉克洛瓦的浪漫主义,法国的巴比松画派等。认识了光源色,固有色,环境色的关系,色调的主观意义等。到19世纪末期开始,西方油画发生了根本变化,油画不再以纯粹写实为原则,艺术家们将油画形式作为自己精神与情感世界的媒介,表现这个概念大行其道,如印象派率先离弃了传统的油画模式,创造性的使油画有了新的面貌,新的语言表达方式。到了当代,不同的艺术观念形成更多流派,传统的油画语言被分拆而又强化,单方的因素都甚至走向极端,重视结构的立体主义,重色彩的野兽派,什么表现主义,抽象主义等流派纷纷形成。而这个发展过程中,材料,技法也发生了很大变化。油画颜色的可塑性是极强,即可以透明,也可以厚堆,既可细腻,也可产生各种质地,肌理,既可多次覆盖,也可直接画法,技法上,笔,刀,手,布,擦,划,刮等方法众多,效果各异,材料上也从在古典的坦培拉到现代的发展变化具大,可使用,选择面很宽。所以油画的语言已极为丰富。

回答:

艺术语言肯定不是普通的人与人之间交流的那种直白的,明确无误的世俗的语言。油画的艺术语言是画家以绘画为媒介,传达给观众甚至是自己的一种内心情感与审美感受。画面的呈现会根据表现的形式与内涵采用不同的技法与技巧,或写实,或抽像,或细腻或粗犷,不一而足。具体的技法,学画的人都懂,无需赘言。我只就自己理解的艺术语言,叨叨几句,也是班门弄斧,姑妄言之,姑妄听之。

油画的艺术语言,自有其独特性,但内在规律与其他所有的艺术表现形式并无二致。

所谓的艺术语言,首先要弄清什么是艺术,懂得了艺术,语言就是画家将头脑中虚幻的意象转换为具象的画面,无声,却有意。

我认为,艺术就是来自于现实而又不同于现实,是客观物象在艺术家自己的理解和审美下,主观的再组合,再创造。如同酿酒,通过蒸馏,酝酿,把五谷杂粮变为醉人的美酒,再造成了一种全新的物质。至于酒的好坏全在于材质的优劣和技术的高低。

艺术语言的粗劣与高雅也是如此,高格调,高水平的艺术语言离不开艺术家的天赋和后天修养以及人品的高贵。

就我个人而言,不太喜欢太写实的油画作品。其原因也是因为,这类油画缺乏画家自己对世界,对人性独特的理解和感悟,缺乏丰饶的内涵,和多样的解读空间,缺乏响亮而新颖的表现语言。总言,就是缺乏艺术性。

回答:

油画艺术语言的表现技巧,生龙活虎吧!

回答:

不仅仅是油画艺术,其他种类的艺术形式也有这一特点,那就是艺术的最初就是源于人性最朴素的表达。

  记者:对你来说,舞蹈是不是另一种形式的绘画?

  沈伟:可以这么说。舞蹈不可驾驭的空间更大,因为你要跟另外一个人(演员)合作,他要呈现你所要的感觉,每个人的身体又不一样,所以出来的东西,多多少少会有一些其他因素在里面。绘画更能控制自如,毕竟是一个人在完成。

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  2008年北京奥运会上的《画卷》就由沈伟创作

  记者:你后来又是怎么发展到用舞者的身体作画的呢?

  沈伟:为什么我喜欢舞蹈,是因为它有生命力,我喜欢有生命力的东西。

  我也希望绘画有生命感,不喜欢它完全静止地停在那里,死邦邦的,所以我画了一套“运动”系列(2005年,一批以音乐和运动为灵感创作的绘画),希望绘画里有运动感。这就影响到我后来排的舞蹈《连接转换》——舞者的身体沾上颜料,跳舞时在画布上留下痕迹,这些痕迹是有运动感的,就像书法一样,说白了是气和力量的传达。这方面我探讨了好多年,所以我的绘画里有运动的形式感,舞蹈里也有绘画的呈现方式。

  记者:用舞者的身体做画笔,有给你带来不一样的创作灵感吗?

  沈伟:用身体去舞蹈,同时让身体留下痕迹,这种状态是不一样的。因为你在作画的时候,想到的是画,而不是运动力,但你跳舞的时候留下痕迹,你的注意力是在跳舞,留下什么痕迹你是不在意的。

  用身体作画,舞者每次的痕迹也不会太不一样,因为身体运动有一个很规格的编舞程序,动作一样的话,留下的痕迹也差不多。当时我也没想演员一定要有一个什么样的造型,最重要的是一个运动的记录。

  记者:2008年北京奥运会上的《画卷》,是你用身体作画最有名的代表作了。

  沈伟:是的。2002年到2003年,我做了《春之祭》,后来又排了《连接转换》,就是舞者用身体作画。很多年以后,我觉得可以用舞蹈做出真正的国画,把中国传统文化带到一个新的境界。

  2007年3月,我进入奥运会主创团队,到2008年8月,整个过程一年半。《画卷》里的动作都很规矩,山水每一笔到哪里都是量好尺寸的。  

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  “无题”系列

  绘画决定了我的视觉审美

  记者:你以前很少对外展示画家的一面,2014年你在美国办了一次大型画展,是觉得成熟了,时机到了?

  沈伟:对。2012、2013年我在绘画上有一个很大的突破,经过三四十年的积累,我有了一批“无题”作品,巡展时,有些博物馆称它“黑白灰”。这一组作品在国际上受到很大重视,很多博物馆来我的画室看作品,说要给我做比较大型的展览,关于“无题”。

  记者:你所谓的成熟怎么定义?

  沈伟:各方面,自己的绘画语言,自己的绘画技巧,自己探讨领域的深度,艺术家人生观的形成、艺术舆论的形成。这都有很大的关系。

  记者:你现在的风格定格在了“无题”(黑白灰)这个系列,用水墨画的技法与线条,探索抽象画的语言?

  沈伟:“无题”基本上没有颜色,到了2015年,我进入了探讨色彩关系的状态里,有“蓝色”系列、“黄色”系列,是最近几年在纽约和巴黎创造出来的。

  记者:你的绘画风格和舞蹈风格一直在变,两者的演变是一个路线,还是两条线?

  沈伟:一个路线,因为人在变,所以你的创作精神和理念会变,你只是用了不同的媒体而已,一个是用身体,一个是颜料和画布。

  记者:你会怎么总结这个演变过程?

  沈伟:这是人在成熟过程中不断认识自己的过程。我画画最开始是具象的、写实的状态,画肖像,然后是人体,慢慢脱离具象,到2000年有了一个比较大的变化。2001、2002、2003年,我的舞蹈到了抽象的状态,比如《春之祭》。我的绘画也变了,变成比较抽象的状态,就是“运动”系列,这个系列我探讨了六年,这期间我创造出《春之祭》《连接转换》《地图》等抽象舞蹈,是和“运动”这批画同时发展出来的。

  记者:你的绘画和舞蹈齐头并进,都是从具象转到抽象,是不是艺术家都有这个习惯,习惯从具象走到抽象?

  沈伟:这也要看每个人的经历,但艺术家还是要先打好基本功,对传统文化、传统艺术要有了解和认识,等你掌握了,要发展自己的语言,你是想做抽象,还是继续做具象,就看艺术家自己的选择了。

  我要探讨那些我认为跟我有关的时代性,我就做了这个选择(抽象化)。抽象是现代社会发展的一个现象吧,我们的认识不再局限于具象,到了一个更宽的领域。这是和社会发展有关系的。

  记者:你的每一部舞蹈几乎都有绘画的影子,两者结合非常紧密,你怎么看它们之间的相互影响、滋养和渗透?

  沈伟:这是比较复杂的,因为视觉艺术和表演艺术的关系,可以在很多不同的面向去体现。最容易体现的是服装、灯光、布景,这是最简单的一种,把视觉放上去而已。其实我在编舞、技巧上也会运用到绘画,绘画时也是真的有运动力在里面。

  记者:绘画是你所有艺术的基础吗?

  沈伟:只能说绘画决定了我的视觉审美。所以不光是舞蹈,我的电影、装置艺术都是靠我的视觉来判断的,绘画起的作用还是挺大的。

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  “运动”系列

  闭关不是孤独,是独立

  记者:你现在的工作重心如何,绘画和编舞分别占了怎样的比重?

  沈伟:我每年会画画、拍片、做表演艺术,要看我当时的情绪,和对事情的兴趣。

  我不是工厂,不是计划性地每年一定要出什么东西。画画我是为了自己想做而做,没有说有一个展期到了一定要画一批画。舞蹈上目前在考虑一个2021年的作品。

  记者:据说你在新泽西有个大画室,与舞蹈无关的时间里,你会一个人坐40分钟地铁去画画。

  沈伟:我有空就会去,有时候待好几个月,有时候就周末或晚上。如果不受打扰,我一个人可以待几年。

  前不久,我在巴黎闭关了三个半月,画的“蓝色”系列这次也带来了。我喜欢巴黎,喜欢那个城市、那个环境。我现在基本在巴黎,但会回纽约工作。

  记者:闭关的时候会有孤独感吗?

  沈伟:不叫孤独,我很喜欢独立,你可以自己驾驭自己,没人在旁边打扰你的生活。

  记者:你在舞蹈创作上一直有危机感和紧迫感,绘画会有这种感觉吗?

  沈伟:创作都会有,你想突破过去,你会面对这个发展过程,会主动想要做这个事情。

  记者:你更愿意被人称为会跳舞的画家,还是会画画的舞蹈家?

  沈伟:都不是,就是艺术家。

  记者:很多艺术家会有这样一个现象,年轻的时候疯狂追逐西方文化,觉得西方什么都好,到了一定阶段又会恍然大悟,折返回来去研究中国文化的美。

  沈伟:我没有,我从小就喜欢中国文化。我在国外做过和京剧有关的舞蹈《二进宫》,做了很多中国文化的东西。这是我从小的基础吧,戏曲也好、国画也好、古代文学也好,传统文化的根比较深,比如我是一个看农历的人,现在也是。中国传统文化里有很多智慧,非常可贵,我希望全世界的人都能了解其中可取的精华。

  记者:你现在隔两年就会回国演出一次,如今画展也回来了,粉丝很多,你怎么看国内这几年的变化?

  沈伟:2012年开始我每两年回来一次,每次回来就感觉观众又进步了,特别是年轻人,非常有进取心,学习欲望特别强,这是我回来的动力。你可以看到他们看展览时多认真,看演出时多感动,我辛苦也是值得的。

  我现在回来的时间比以前长多了。这次为了展览,我在上海待了一个月,这是2008年北京奥运会后我回国时间最长的一次。

  记者:2017年5月开始,你不再更新微信朋友圈了,是觉得太浪费精力了?

  沈伟:有点浪费时间。用微信是因为回国演出,看见大家都在用,我就下载了,沟通很方便。后来我发现,我的时间应该用在创作上,就没用了,不开了,也不看了。好自由,我有时间去创作了,但每次回来我还是会用。

  我是电话都不接的人,有时候出去都不带手机的,助理给我留言,我都是晚上回复。我有工作时间,会用一两个小时把所有邮件、短信都回了,接下来电话就不接了,不会每时每刻都去接电话。

  记者:朋友们会觉得可惜吧?看不到你的创作动态了。

怎么样是摄影艺术语言的显现本事,现场的技能。  沈伟:你觉得是看微信的力量大,还是看现场的力量大呢,微信就几张照片而已。

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